Este jueves 27 de agosto de 2009, a las 8 PM, se inaugura en la Galería Manolo Rivero, la exposición "Uno por Uno", que reúne la obra más reciente del artista Rafael Penroz en la que plantea diversas reflexiones y hechuras sobre la pintura misma.
La obra deriva de un proyecto de largo plazo que el artista ha denominado "Enchúlame la painting". En esta ocasión, en un evento realizado en la sede de La Periferia, invitó a un grupo de artistas a pintar sobre telas preparadas con esténciles que luego fueron removidas "revelando una imagen vectorial bajo la pintura manual realizada por los pintores".
Penroz señala que su proyecto inició con el objetivo de repensar la pintura, especialmente con la idea de llevar la práctica pictórica a una estrategia de procedimientos. Por ello, su proyecto fue comenzando con la adquisición de pinturas de otros pintores, que después intervenía y deconstruía.
Por último, agregó, "también me interesa invadir territorios no artísticos, sobre todo aquellos considerados no-creativos, como la filosofía, la matemática y la ética, que se me hacen patrones de pensamiento interesantísimos".
Rafael Penroz nació en Santiago de Chile. Vive en Mérida desde 2005 y actualmente es profesor de la Licenciatura en Artes Visuales de la Escuela Superior de Artes de Yucatán. La muestra, su primera individual en esta ciudad, es presentada por FrontGround, del cual es miembro fundador.
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Sunday, August 23, 2009
Sunday, August 9, 2009
Exploraciones sobre el origen y el maíz transgénico en la Galería Manolo Rivero
Este miércoles 12 de agosto de 2009 a las 8 PM, se presentan en la Galería Manolo Rivero la muestra y acción "Traslación del origen" del joven artista Edgar Canul y el performance "NK603: Acción para Perfomer & e-Maíz" a cargo de la artista mexicana Violeta Luna.
La muestra de Edgar Canul, "Traslación del origen", forma parte de su Memoria para obtener el grado de Licenciado en Artes Visuales en la ESAY. Oriundo de Chablekal y miembro de una familia dedicada a la panadería desde hace tres generaciones, su expo propone a través de instalaciones y performances "una teoría de la liberación del concepto de origen" pues considera que este concepto está preso en una mera "definición folklórica".
Cada pieza en la muestra es, asegura, "un registro de la traslación y una tautología de la memoria inscrita en cada elemento". De modo que ha tomado objetos específicos de la panadería familiar y los ha llevado a la galería con el objetivo de situarlos en "un plano de traslación en relación a su función".
El performance de Violeta Luna, "NK603: Acción para Perfomer & e-Maíz", es una reflexión sobre las diversas consecuencias que el maíz transgénico hecho en el extranjero ha traido para las especies de maíz originales y los pueblos que lo han desarrollado y cultivado por siglos.
El performance es interactivo y está combinado con video, música e iluminación. La figura central es una mujer indígena cuya vestimenta está hecha de hojas de maíz. Cabe mencionar que Violeta Luna, con estudios en Teatro, es una destacada performancera cuyo trabajo está orientado a discurrir sobre la relación entre teatro, performance y compromiso social. Desde 1998 forma parte de La Pocha Nostra, colectivo interdisciplinario de performance con sede en San Francisco, EUA. También es directora asociada de El Teatro Jornalero! en esa misma ciudad.
Ambos eventos son presentados por La Periferia y FrontGround. La entrada es libre.
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La muestra de Edgar Canul, "Traslación del origen", forma parte de su Memoria para obtener el grado de Licenciado en Artes Visuales en la ESAY. Oriundo de Chablekal y miembro de una familia dedicada a la panadería desde hace tres generaciones, su expo propone a través de instalaciones y performances "una teoría de la liberación del concepto de origen" pues considera que este concepto está preso en una mera "definición folklórica".
Cada pieza en la muestra es, asegura, "un registro de la traslación y una tautología de la memoria inscrita en cada elemento". De modo que ha tomado objetos específicos de la panadería familiar y los ha llevado a la galería con el objetivo de situarlos en "un plano de traslación en relación a su función".
El performance de Violeta Luna, "NK603: Acción para Perfomer & e-Maíz", es una reflexión sobre las diversas consecuencias que el maíz transgénico hecho en el extranjero ha traido para las especies de maíz originales y los pueblos que lo han desarrollado y cultivado por siglos.
El performance es interactivo y está combinado con video, música e iluminación. La figura central es una mujer indígena cuya vestimenta está hecha de hojas de maíz. Cabe mencionar que Violeta Luna, con estudios en Teatro, es una destacada performancera cuyo trabajo está orientado a discurrir sobre la relación entre teatro, performance y compromiso social. Desde 1998 forma parte de La Pocha Nostra, colectivo interdisciplinario de performance con sede en San Francisco, EUA. También es directora asociada de El Teatro Jornalero! en esa misma ciudad.
Ambos eventos son presentados por La Periferia y FrontGround. La entrada es libre.
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Saturday, February 7, 2009
Texto de sala de la expo "Entre invasiones y mujeres flotantes"
ENTRE INVASIONES Y MUJERES FLOTANTES
Luis Rius Caso
A través de sus invasiones plásticas, fotográficas, de video, Mónica Dower implanta su código en personas y situaciones –reales y representadas— que adquieren así una condición artística. A veces sus invasiones funcionan para situar a los personajes en una dimensión propicia para alcanzar el estado de gracia, la definición mejor de sí mismas que los rondaba o esbozaba en la potencialidad. En ocasiones basta un leve desplazamiento, una sutil recontextualización para ir más allá de lo común y lograr el plus estético o, mejor aún, el giro imaginario que reinstaura el misterio que depura y trasciende. Así lo dejan ver los videos Mi mare, El beso y Belly and shower, por ejemplo.
En otras obras la invasión de la artista es flagrante. Diríase que se apodera del modelo para resituarlo en el espacio en que éste participará en un hecho artístico. Así parece ocurrir en el video dedicado a la cantaora Keka, cuya resistencia a la invasión encarna la polaridad realidad/ construcción, a la vez que empieza a develar el verdadero estado de gracia. Así sucede también con la serie realizada en distintos medios sobre la cabeza Olmeca, receptáculo indestructible de todas las invasiones – y símbolo de resistencia, por tanto— que confía en la ingravidez de Alicia su posibilidad de fuga de la intemperie de la historia y de la ardua actualidad.
También abundan apropiaciones flagrantes de espacios masculinos y/o culturales, realizados por mujeres flotantes que irrumpen seductoramente en la mirada de quien observaba escenarios que pasan así a un segundo plano (bibliotecas, pesadas arquitecturas, estampas japonesas del mundo flotante ukiyo-e.). Imágenes del deseo que invitan a ver y a ser cuerpo de escritura, o bien, a recorrer con la mirada del tacto la belleza del cuerpo implícito, orgánico (opuesto al cuerpo sin órganos), ya sea tendido o en ascensión (como la Remedios la bella de Cien años de soledad) .
Las invasiones también se despliegan en montajes complejos y sofisticados como el que ocupa a Agnes en un no-lugar, intervenido tanto por una escultura de la propia artista como por imágenes de la modelo, y por la propuesta performática que a la postre habrá de cristalizarse en diversas piezas de dibujo, pintura, fotografía y video. O bien, el que protagoniza el dibujo en carbón de gran formato de la mujer- torre, intervenida por estampas de erotismo persa; o los bebés flotantes que, adheridos a plantas y flores, co-existen con íconos de muy diversos y contrastados universos visuales.
La suavidad y la sutileza, por supuesto, tienen amplio espacio en esta serie, estrechamente ligadas a la ya aludida flotación de mujeres, a herbarios de bebés y a hermosas asociaciones de la naturaleza con el cuerpo femenino. Etéreos pero a la vez contundentes, los bebés invaden nuestro código estético como lo hacen, al nacer, nuestra vida. Odaliscas improvisadas en la intimidad de un baño; sueños y acciones de un erotismo franco e híbrido en su fina representación; acciones que se manifiestan por metáforas y metonimias, entre las que sobresale el video Pájaros en la cabeza, donde se autorepresenta la artista en un sorprendente acto performático.
Esta heterogeneidad de imaginarios es una constante en la investigación conceptual y plástica de Mónica Dower, como lo son también la flotación, las asociaciones complejas y el trabajo multidisciplinario, determinante de su perfil artístico. Sus invasiones se nutren de todo ello y constituyen una suerte de reacción ante la colonización incesante que determina a la virtualidad contemporánea, así como a la iconósfera que construye el gusto y nuestra relación con la cruda realidad.
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Luis Rius Caso
A través de sus invasiones plásticas, fotográficas, de video, Mónica Dower implanta su código en personas y situaciones –reales y representadas— que adquieren así una condición artística. A veces sus invasiones funcionan para situar a los personajes en una dimensión propicia para alcanzar el estado de gracia, la definición mejor de sí mismas que los rondaba o esbozaba en la potencialidad. En ocasiones basta un leve desplazamiento, una sutil recontextualización para ir más allá de lo común y lograr el plus estético o, mejor aún, el giro imaginario que reinstaura el misterio que depura y trasciende. Así lo dejan ver los videos Mi mare, El beso y Belly and shower, por ejemplo.
En otras obras la invasión de la artista es flagrante. Diríase que se apodera del modelo para resituarlo en el espacio en que éste participará en un hecho artístico. Así parece ocurrir en el video dedicado a la cantaora Keka, cuya resistencia a la invasión encarna la polaridad realidad/ construcción, a la vez que empieza a develar el verdadero estado de gracia. Así sucede también con la serie realizada en distintos medios sobre la cabeza Olmeca, receptáculo indestructible de todas las invasiones – y símbolo de resistencia, por tanto— que confía en la ingravidez de Alicia su posibilidad de fuga de la intemperie de la historia y de la ardua actualidad.
También abundan apropiaciones flagrantes de espacios masculinos y/o culturales, realizados por mujeres flotantes que irrumpen seductoramente en la mirada de quien observaba escenarios que pasan así a un segundo plano (bibliotecas, pesadas arquitecturas, estampas japonesas del mundo flotante ukiyo-e.). Imágenes del deseo que invitan a ver y a ser cuerpo de escritura, o bien, a recorrer con la mirada del tacto la belleza del cuerpo implícito, orgánico (opuesto al cuerpo sin órganos), ya sea tendido o en ascensión (como la Remedios la bella de Cien años de soledad) .
Las invasiones también se despliegan en montajes complejos y sofisticados como el que ocupa a Agnes en un no-lugar, intervenido tanto por una escultura de la propia artista como por imágenes de la modelo, y por la propuesta performática que a la postre habrá de cristalizarse en diversas piezas de dibujo, pintura, fotografía y video. O bien, el que protagoniza el dibujo en carbón de gran formato de la mujer- torre, intervenida por estampas de erotismo persa; o los bebés flotantes que, adheridos a plantas y flores, co-existen con íconos de muy diversos y contrastados universos visuales.
La suavidad y la sutileza, por supuesto, tienen amplio espacio en esta serie, estrechamente ligadas a la ya aludida flotación de mujeres, a herbarios de bebés y a hermosas asociaciones de la naturaleza con el cuerpo femenino. Etéreos pero a la vez contundentes, los bebés invaden nuestro código estético como lo hacen, al nacer, nuestra vida. Odaliscas improvisadas en la intimidad de un baño; sueños y acciones de un erotismo franco e híbrido en su fina representación; acciones que se manifiestan por metáforas y metonimias, entre las que sobresale el video Pájaros en la cabeza, donde se autorepresenta la artista en un sorprendente acto performático.
Esta heterogeneidad de imaginarios es una constante en la investigación conceptual y plástica de Mónica Dower, como lo son también la flotación, las asociaciones complejas y el trabajo multidisciplinario, determinante de su perfil artístico. Sus invasiones se nutren de todo ello y constituyen una suerte de reacción ante la colonización incesante que determina a la virtualidad contemporánea, así como a la iconósfera que construye el gusto y nuestra relación con la cruda realidad.
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Trayectoria de Mónica Dower, artista visual
De nacionalidad mexicana, nace en 1966 en Southampton Inglaterra. Estudia en la Escuela Nacional de Artes plásticas de la UNAM. De 1989 a 1991 reside en París, donde estudia Historia del Arte en la Sorbonne (se especializa en Grecia, Etruria y Egipto) y asiste al taller de dibujo y arte oriental del maestro Luis Ansa de la Escuela del Louvre. Realiza con la galería Artco varias exposiciones individuales y colectivas en París, en el sur de Francia, y en Suiza.
En 1994 gana la beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de Jóvenes Creadores y viaja a Egipto para estudiar el vínculo entre los animales sagrados y la figura humana.
En 1998 reside en Nueva York, asiste a distintos talleres de la Parson´s School of Design y estudia el video.
Ha realizado 10 exposiciones individuales entre ellas: ¨ Cheval de feu”, Galerie Artco París, “Les imaginaires” Galerie le Prao Sainte Maxime, Francia, ¨La vie en rose¨, galería Nina Menocal, ¨La espera¨, galería Praxis. ¨Cuando estaba allá¨, galería El Estudio. Realiza la instalación “Quién me habita” en el Museo del Chopo.
Ha recibido distinciones como una Mención Honorífica en la XII Bienal Rufino Tamayo (Jurado: Raquel Tibol, Teresa del Conde, Itala Schmeltz), en 2004. En 2003 fue premiada por el CONACULTA (jurado: David Ross, y los artistas Pedro Meyer y Ana de La Rosa) con una beca de producción para realizar su video instalación de ¨La llamada¨, que se presentó en el Museo de San Ildefonso en México DF. Ha sido seleccionada en muy diversos eventos, tanto en México como en el extranjero.
Ha participado en más de 30 exposiciones colectivas en México, Alemania, Argentina, Croacia, España, Estados Unidos y Francia. Entre ellas destacan las exposiciones colectivas ¨Creación en movimiento¨ Museo Carrillo Gil, 25x25, Galería de Arte Mexicano, 26 36 Jóvenes propuestas contemporáneas en el Museo de la SHCP en México DF curada por Ingrid Suckaert.
¨Deriva mental¨ (2004) en el Museo de arte Contemporáneo Tamayo curada por Tatiana Cuevas y ¨Come Closer¨ (2005) curada por Paola Santoscoy en el Kunstlerhaus Bethanien de Berlín, en el Espace Nobile de Ginebra y en Isola Arte de Milán, en Italia. Participa también en la Trienal Internacional de Video, True Fantasies (2006) curada por Ximena Cuevas para el Contemporary Art Center de Telaviv, Israel. En el 2006, los curadores Gabriela Monroy y Caspar Strake la invitaron a participar en el Festival Video Dumbo de Nueva York. En el 2007 “Altar Girls” en el Museo de las Américas de Denver Colorado curada por David Dadone, y en la ciudad de Split,Croacia, “Woman at the crossroads of ideologies” exposición de video curada por Ana Peraica, Elías Levin y Neli Ruzic .
En 2008 expone su video de “Alicia” en la curaduría internacional “Imágenes multimedia de un mundo complejo. Visiones desde ambos lados del Atlántico”. Esta exposición itinerante se lleva a cabo en la sala Santa Inés de Sevilla, en el Hospital Real de Granada, en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires y en el Centro Multimedia del CNA de la ciudad de México. Seleccionada en el concurso Bioquímica Iberoamericana Audiovisual, que se presenta en febrero del 2009 en el MACO de Oaxaca (jurado: Perla Montelongo, Marta Vélez y Javier Toscano).
Ha sido seleccionada igualmente en la X Bienal Diego Rivera, en la Primera y la Tercera Bienal de Artes Visuales de Yucatán, en la XII bienal Rufino Tamayo, en la Bienal Internacional de Estandartes 2006, en el Primer Festival Internacional de video Performance de la ciudad de México, en el concurso Art Fest 2005 y 2006 y en la X Bienal Internacional de poesía visual.
En el 2008 realiza la curaduría de video y cine experimental México/ París/ New York en Estación Indianilla.
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Wednesday, December 10, 2008
Boletín de "1854-2008, acciones para la estación de la comodidad"
FrontGround, centro de investigación artística, cerrará el año con la exposición de arte acción "1854-2008, acciones para la estación de la comodidad" de Ragel Santana Burgos, este viernes 12 de diciembre de 2008 de 6 de la tarde a 11 de la noche en la Galería Manolo Rivero.
La expo es resultado del Taller de Arte Acción, a cargo del maestro Aldo Córdoba, de la Licenciatura en Artes Visuales de la Escuela Superior de Artes de Yucatán, del cual es alumno Santana Burgos.
De acuerdo al joven expositor, "este evento es un ejercicio performático que consta de varias acciones basadas en la obra "Una temporada en el infierno" del poeta francés Arthur Rimbaud (1854-1891)".
Para ello, agregó, "utilizaré las disciplinas de la instalación, el video y el performance para crear una experiencia en tiempo real con el espectador. Los conceptos abordados en la obra se referirán a las consideraciones que Rimbaud tenía para con la sociedad de su época; en ese sentido, en la obra se generará una referencia a temas como los sistemas religiosos, los sistemas políticos, la ciencia y del arte en general".
Esta exposición es presentada por la Escuela Superior de Artes de Yucatán y FrontGround. La entrada es libre.
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La expo es resultado del Taller de Arte Acción, a cargo del maestro Aldo Córdoba, de la Licenciatura en Artes Visuales de la Escuela Superior de Artes de Yucatán, del cual es alumno Santana Burgos.
De acuerdo al joven expositor, "este evento es un ejercicio performático que consta de varias acciones basadas en la obra "Una temporada en el infierno" del poeta francés Arthur Rimbaud (1854-1891)".
Para ello, agregó, "utilizaré las disciplinas de la instalación, el video y el performance para crear una experiencia en tiempo real con el espectador. Los conceptos abordados en la obra se referirán a las consideraciones que Rimbaud tenía para con la sociedad de su época; en ese sentido, en la obra se generará una referencia a temas como los sistemas religiosos, los sistemas políticos, la ciencia y del arte en general".
Esta exposición es presentada por la Escuela Superior de Artes de Yucatán y FrontGround. La entrada es libre.
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Sunday, September 28, 2008
Texto de sala de la expo "Detrás de los Jardines"
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Algunas notas sobre el montaje Detrás de los jardines
Nos encontramos en la presentación de otro dispositivo representacional creado por Annette Merkenthaler. La naturalidad de sus imágenes siempre nos toma desprevenidos. En un primer momento queremos creer que tenemos enfrente la fotografía que registra un encuentro con la naturaleza. Pero digo naturalidad y no sencillez porque si bien queremos creer en el origen denotativo de las imágenes siempre se descubre la falta de descanso en la composición visual: paisajes abiertos o cerrados cargados de múltiples elementos que en ocasiones contradicen su sentido pero no su función. Tal vez esa es la manera de empezar a introducirse en el juego Merkenthaler.
Podríamos decir, desde una visión simplificadora, que la función de la representación es mostrar una realidad (tratemos de pensar que existe) y que el sentido connota esa aparente realidad dando una secuencia logística interpretativa. Ahora imaginemos que esta secuencia se quiebra y que el sentido en vez insinuar (siempre veladamente) el ordenamiento del mundo, toma otro camino y comienza a reciclar la pura secuencia logística interpretativa. Así entendido, las imágenes mostrarán la representación como realidad y la realidad como el juego reciclado de la representación.
La propuesta de Merkenthaler entonces, puede presentar un mundo representado que a su vez es intervenido por otra estructura interpretativa que ahora es real (como lo son el agua, la lluvia, un pez o la tierra) y todo esto es nuevamente mostrado en una representación fotográfica de tercera o cuarta generación. La secuencia nos lleva a una sensación de artificialidad natural donde lentamente nos damos cuenta que la gramática foto-visual latente es manipulada por una voluntad desviante, transformadora del sentido semántico…
Pero todo este juego tiene un tratamiento sutil (colores pálidos, en ocasiones tímidos) que convierte en un fenómeno cotidiano el artificio… como si una simple transmutación química, biológica o lumínica interviniera en el cuerpo estabilizado de alguna imagen.
En la estrategia del montaje, la autora decide crear una ruta que al tiempo de dirigir la visita en el recorrido secuencial de las imágenes, insinúa el valor ficcional de la representación… conjunto de efectos de obviedad artificial: transparencias y gestos formales devienen testigos de un paisaje interior.
La última sala sólo muestra la representación de una memoria íntima, el retrato de Annemarie, madre de la artista, fallecida en el último año. La imagen está intervenida por la lluvia (dispositivo real-izado de la representación). La forma informe contrasta con una copa de barro crudo (hecha por la misma Annette) depositada sobre una mesa frente del retrato. Extraña forma dentro de ese paisaje: representación que se confunde con la naturalización de su objeto; forma inaugural de las tácticas de transmutación que muestra (siempre en contrasentido) el origen para re-presentar el fin. Adentro hay agua… puede haber agua… esa extraña sustancia que transforma la naturaleza de… (?)… lo real.
Algunas notas sobre el montaje Detrás de los jardines
Toda representación es paradójica;
el sí-mismo sólo se capta en ella
con la condición de perderse.
Corinne Enaudeau
el sí-mismo sólo se capta en ella
con la condición de perderse.
Corinne Enaudeau
Nos encontramos en la presentación de otro dispositivo representacional creado por Annette Merkenthaler. La naturalidad de sus imágenes siempre nos toma desprevenidos. En un primer momento queremos creer que tenemos enfrente la fotografía que registra un encuentro con la naturaleza. Pero digo naturalidad y no sencillez porque si bien queremos creer en el origen denotativo de las imágenes siempre se descubre la falta de descanso en la composición visual: paisajes abiertos o cerrados cargados de múltiples elementos que en ocasiones contradicen su sentido pero no su función. Tal vez esa es la manera de empezar a introducirse en el juego Merkenthaler.
Podríamos decir, desde una visión simplificadora, que la función de la representación es mostrar una realidad (tratemos de pensar que existe) y que el sentido connota esa aparente realidad dando una secuencia logística interpretativa. Ahora imaginemos que esta secuencia se quiebra y que el sentido en vez insinuar (siempre veladamente) el ordenamiento del mundo, toma otro camino y comienza a reciclar la pura secuencia logística interpretativa. Así entendido, las imágenes mostrarán la representación como realidad y la realidad como el juego reciclado de la representación.
La propuesta de Merkenthaler entonces, puede presentar un mundo representado que a su vez es intervenido por otra estructura interpretativa que ahora es real (como lo son el agua, la lluvia, un pez o la tierra) y todo esto es nuevamente mostrado en una representación fotográfica de tercera o cuarta generación. La secuencia nos lleva a una sensación de artificialidad natural donde lentamente nos damos cuenta que la gramática foto-visual latente es manipulada por una voluntad desviante, transformadora del sentido semántico…
Pero todo este juego tiene un tratamiento sutil (colores pálidos, en ocasiones tímidos) que convierte en un fenómeno cotidiano el artificio… como si una simple transmutación química, biológica o lumínica interviniera en el cuerpo estabilizado de alguna imagen.
En la estrategia del montaje, la autora decide crear una ruta que al tiempo de dirigir la visita en el recorrido secuencial de las imágenes, insinúa el valor ficcional de la representación… conjunto de efectos de obviedad artificial: transparencias y gestos formales devienen testigos de un paisaje interior.
La última sala sólo muestra la representación de una memoria íntima, el retrato de Annemarie, madre de la artista, fallecida en el último año. La imagen está intervenida por la lluvia (dispositivo real-izado de la representación). La forma informe contrasta con una copa de barro crudo (hecha por la misma Annette) depositada sobre una mesa frente del retrato. Extraña forma dentro de ese paisaje: representación que se confunde con la naturalización de su objeto; forma inaugural de las tácticas de transmutación que muestra (siempre en contrasentido) el origen para re-presentar el fin. Adentro hay agua… puede haber agua… esa extraña sustancia que transforma la naturaleza de… (?)… lo real.
Humberto Chávez
FrontGround
Mérida / Septiembre 2008
FrontGround
Mérida / Septiembre 2008
Sunday, September 21, 2008
Boletín de "Detrás de los Jardines" de Anette Merkenthaler
La artista alemana Anette Merkenthaler inaugurará este viernes 26 de septiembre a las 8 de la noche, en la Galería Manolo Rivero, su exposición "Detrás de los Jardines".
De acuerdo a la propia artista, "en esta exposición entraremos poco a poco a un espacio interior en el cual se desvanecerá lo conocido y donde se podrá descomponer el recuerdo, a través de fotos e imágenes que juntas develarán una 'realidad imaginaria''.
La expo, preparada especialmente para esta galería, constará de más 12 imágenes impresas en tela y plástico así como de membranas de plástico semitransparentes que conformarán recorridos y espacios particularizados.
Anette Merkenthaler nació en Bayrischzell, en 1944, y actualmente vive en la ciudad de Friburgo. Desde 1978, realiza exposiciones individuales de escultura en cerámica y concreto, instalación y fotografía; y desde 1987, instalaciones y ‘environments’ en el ambiente urbano o en el paisaje, en Alemania, Francia, Suiza, Estados Unidos, Canadá y México.
La muestra es presentada por FrontGround, centro de investigación artística, en colaboración con la Escuela Superior de Artes de Yucatán. La entrada a la inauguración es libre. La exposición estará abierta hasta el 31 de octubre.
De acuerdo a la propia artista, "en esta exposición entraremos poco a poco a un espacio interior en el cual se desvanecerá lo conocido y donde se podrá descomponer el recuerdo, a través de fotos e imágenes que juntas develarán una 'realidad imaginaria''.
La expo, preparada especialmente para esta galería, constará de más 12 imágenes impresas en tela y plástico así como de membranas de plástico semitransparentes que conformarán recorridos y espacios particularizados.
Anette Merkenthaler nació en Bayrischzell, en 1944, y actualmente vive en la ciudad de Friburgo. Desde 1978, realiza exposiciones individuales de escultura en cerámica y concreto, instalación y fotografía; y desde 1987, instalaciones y ‘environments’ en el ambiente urbano o en el paisaje, en Alemania, Francia, Suiza, Estados Unidos, Canadá y México.
La muestra es presentada por FrontGround, centro de investigación artística, en colaboración con la Escuela Superior de Artes de Yucatán. La entrada a la inauguración es libre. La exposición estará abierta hasta el 31 de octubre.
FrontGround, centro de investigación artística
Mérida, México, 16 de septiembre de 2008
Mérida, México, 16 de septiembre de 2008
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